Subasta 9 de Julio 2020

Óleo sobre tabla.
Firmado.
38 x 46 cm; 58 X 67 cm. (marco)

Óleo sobre lienzo.
Firmado.
En el reverso, una inscripción identifica la modelo.
81 x 65 cm; 96 x 80 cm. (marco).

Acrílico sobre papel sobre lienzo.
Firmado.
27,5 x 35 cm; 52 x 60 cm. (marco).

Óleo sobre cartón.
Firmado y fechado.
22 x 27 cm; 44 x 49 cm. (marco).

Óleo sobre lienzo sobre tabla.
Firmado y fechado
46 x 81,5 cm; 56,5 x 91,5 cm. (marco).

Óleo sobre lienzo.
Firmado F.G. y fechado.
La tela se encuentra ligeramente destensada. Presenta craqueladuras visibles en unas de las figuras. 
76 x 106 cm; 95 x 127 cm. (marco).

Óleo sobre lienzo.
Firmado.
En el reverso, firmado y fechado.
41 x 33 cm; 57 x 49,5 cm. (marco).

Carboncillo sobre papel.
Firmado.
66 x 101 cm; 102 x 137 cm. (marco).

Acuarela sobre papel.
Firmada.
77,5 x 53,2 cm; 95 x 3 x 72,5 cm (marco).

Técnica mixta sobre papel.
Firmada y con la inscripción: "Ben cordialment".
74,5 x 60 cm; 83,2 x 68,6 cm. (marco).

Óleo sobre lienzo.
En el reverso, firmado y fechado, y etiquetas de Barrachina & Ramoneda y de la Galería Manuel Barbié, Barcelona.
80 x 62,5 cm; 97,5 x 80,5 cm. (marco).

Óleo sobre lienzo.
Firmado y fechado.
73 x 92 cm; 86 x 105,5 cm. (marco).
 

Óleo sobre lienzo.
Firmado y fechado.
Presenta pequeñas faltas y el marco ligeros desperfectos.
Enmarcado con cristal.
75 x 109 cm; 99 x 170 cm. (marco).

Óleo sobre lienzo.
Reentelado y restaurado por el CAEM, cuyo estudio adjunta.
190,5 x 148 cm.
Tras el análisis técnico y la restauración realizada a la obra, el CAEM (Centro de Arte de Época Moderna) confirma la atribución de la misma al taller de Anton van Dyck, al tener en cuenta los pigmentos, los procedimientos usados en la preparación de la tela y las características del estilo propio del maestro que se encuentran en la presente pintura, llegando incluso a barajar la posibilidad de que Van Dyck hubiese participado directamente en el diseño de la composición o la realización de algunos rostros.
ANTON VAN DYCK nació en Amberes y durante su etapa de formación fue discípulo de Hendrik van Balen y Rubens.
Tras una estancia corta en Londres entre 1620-1621, Van Dyck se trasladó a Italia, donde vivió seis años en los que, instalado en Génova, viajó por todo el país impregnándose del estilo magistral de autores como Tintoretto, Tiziano o el Veronés. Esta influencia del hacer italiano se ve claramente reflejada en las figuras de María Magdalena y la mujer que, recortada, aparece a la izquierda, cuyo tratamiento barroquizante contrasta con el flamenquismo que desprende Cristo, La Virgen y San Juan Evangelista. Se trata de una composición inteligente, pensada y ecléctica, donde se fusionan elementos flamencos con otros netamente italianizantes.
Tanto a nivel compositivo como estilístico, la Crucifixión que Subarna tiene el honor de ofrecer en subasta presenta similitudes considerables con la realizada por Jacob Jordaens en 1618 para la iglesia de San Pablo en Amberes, donde aún permanece.
 
 

Óleo sobre lienzo.
Presenta pequeñas faltas de pintura y una pequeña rotura en la tela restaurada con un parche visible al dorso. 
Adjunta copia de estudio emitido por Perveco- Revisión y Peritaje en 2018.
102 x 75 cm; 124 x 97 cm (marco).

Óleo sobre lienzo. Leves desperfectos en el óleo y marco. 53 x 39 cm; 87 x 70 cm. (marco)

Óleo sobre cobre.
A partir de modelos de Pieter Casteels III (1684-1749).
28 x 21 cm; 50 x 42,5 cm. (marco).
 

Óleo sobre táblex.
Firmado.
En el reverso, inscripciones: "11" y "F-40".
80,5 x 100,5 cm; 102 x 122 cm. (marco).

Óleo sobre lienzo sobre tabla.
Firmado.
25,5 x 34 cm; 56 x 63 cm. (marco).

Técnica mixta (tinta, gouache y tela) sobre papel sobre cartón.
Firmada y fechada. En el reverso, inscrito el "Nº. 2".
29,5 x 38 cm; 56,5 x 65 cm. (marco).

Óleo sobre lienzo.
Firmado y fechado.
Esta obra fue estudiada durante 5 meses por los expertos del CAEM (Centro de Arte de Época Moderna) hasta determinar su autoría. Enmarcada dentro de la segunda etapa pictórica del artista, la pintura desprende un estilo plácido y maduro, propio de la escuela noucentista.
Adjunta estudio certificado por el CAEM, así como diversas copias de los artículos en diferentes diarios en los que ha sido publicado. Bibliografía: Ximo Company-Anna Pedret, "Joaquim Sunyer (1874-1956). A propósito de la atribución de un desnudo femenino inédito", Eva March-Carme Narváez (eds.), "Los mundos del arte. Estudios en homenaje a Joan Sureda", Barcelona, Universitat de Barcelona, 2019, págs. 93-108 (repr.); y Pau Echauz, "El CAEM de Lleida certifica un desnudo noucentista de Joaquim Sunyer", "La Vanguardia", 1 mayo 2019.
Presenta una pequeña restauración de la tela en el área inferior izquierda.
92 x 72,5 cm; 111 x 91 cm. (marco).

Pintura y papel de seda sobre lienzo.
Firmada.
Adjunta certicado, emitido por el mismo artista.
100 x 50 cm; 124,5 x 74,5 cm. (marco).
 
Popular sobre todo por sus esculturas monumentales, JAUME PLENSA (1955) es hoy uno de los artistas españoles vivos más cotizados internacionalmente; un artista polifacético cuyas inquietudes lo han llevado a enfrentarse a diferentes manifestaciones artísticas, incluida la pintura, una de las menos conocidas.  Es el caso del lote que oferta SUBARNA, donde ya percibimos algunas constantes en su obra, como la situación del hombre en el universo a través de la subjetividad y el silencio. Si hoy en día se explicita a través de sus monumentales bustos en actitud contemplativa y ojos cerrados, en sus inicios lo planteó en estas composiciones abstractas, paisajes interiores que, a su vez, adquieren una sutileza antropomórfica.
Apoyándose en influencias diversas como el informalismo de Antoni Tàpies o el expresionismo abstracto de Mark Rothko, así como en la importancia capital del lenguaje como vía de acceso al conocimiento -que nos recuerda asimismo a Joan Brossa-, PLENSA interioriza estos intereses en una especie de proyección oblicua de sí misma. Así, el formato estilizado del cuadro evoca el cuerpo humano, antropomorfización reforzada por la subdivisión en tres áreas, que trazan su paralelismo con la anatomía: piernas, tronco y busto. Igualmente, la repetición de la vocal “A” a la altura de la mirada evocaría el órgano de la visión, que actuaría de puerta del alma, pero también de comunicación con el espectador -la “A” es la primera letra del alfabeto, algo que ya valoró Brossa-. Otros detalles que refuerzan esa “corporalidad abstracta” es el uso del papel de seda, que permite un trabajo táctil y cálido; o la presencia de líneas en zigzag, vestigios de siluetas físicas.
Se ha dicho que en PLENSA el cuerpo se entiende como lugar, y así lo ha afirmado él: “para mí, un lugar es un espacio donde ocurren cosas. Así que el cuerpo es un lugar porque las cosas que vives, sólo las vives tú. Veo a cada individuo como una geografía en tránsito, una isla con un perímetro de costas perfectamente delimitadas de las que se puede levantar una carta geográfica perfecta y que está en un océano común que permite navegar de una isla a otra” […]; “mi obra ha ido transitando por distintos territorios técnicos en función de mis intereses conceptuales. El cuerpo siempre ha sido el lugar común” (César Renduelles, “Jaume Plensa. La poesía de la materia”, Minerva, Nº 5, 2007, https://www.circulobellasartes.com/revistaminerva/articulo.php?id=146).
 

Óleo sobre lienzo.
Firmado.
Enmarcado con cristal.
46 x 37 cm; 78 x 69 cm. (marco). 

Óleo sobre cartón.
Firmado, localizado y fechado.
En el reverso, diversas etiquetas, una de ellas localizada en Ponce, Puerto Rico.
22,2 x 30,4 cm; 26 x 33,7 cm. (marco).